Creación Artística

Plasmar de alguna forma los sentimientos, las experiencias, el dolor o la felicidad, es lo que logra el arte en todas sus facetas.
La creación artística es una función esencial del ser humano; arte y hombre son inseparables. RENE HUYGHE escribe: "No hay arte sin hombre, pero quizá tampoco hombre sin arte”.
El hombre, para transmitir sus ideas y sentimientos, ha creado unos códigos basados en sistemas de signos. Uno de esos códigos es el lenguaje articulado, sin el cual no sería posible el progreso, el incremento de experiencias de la especie humana; otro es el lenguaje matemático, que permite medir las dimensiones de la realidad material y fundamentar el desarrollo de todas las ciencias de la naturaleza; otro es el artístico, ya que el arte es, además de una forma de conocimiento, como la ciencia y la religión, que permiten el acceso a diferentes esferas del universo y del hombre, un lenguaje, un medio de comunicación con el que el artista expresa imágenes de la realidad física y humana, y de las vertientes del psiquismo (sentimientos, alegrías, angustias, esperanzas, sueños).

Los estilos artísticos.

1. Definición del estilo: La palabra estilo deriva del latín stilus, punzón, que los romanos utilizaban para escribir; pero en griego stilo significaba columna, y como ésta era el elemento más singular y personalizado de la arquitectura, cabe decir que la palabra estilo, en su origen, significaría el modo especial de hacer literatura o arquitectura. En arte se trata de un concepto fundamental; sin él careceríamos de los elementos que distinguen a todas las creaciones de una misma época y del sentido de la evolución de las formas. Las denominaciones surgieron de modo lento. Aunque en el siglo XVI se habla de manera poco concreta de estilos no se aplican definitivamente a las artes plásticas hasta los estudios que en el siglo XVIII efectúa WINCKELMANN del arte griego y del ulterior análisis de HERDER sobre el arte gótico. El apelativo gótico se aplicó a un arte cuyos orígenes se atribuían a los invasores del Imperio Romano; el término rococó se acuñó por los discípulos de DAVID para ridiculizar el estilo pretencioso del reinado de Luis XV en Francia; la palabra románico empezó a emplearse alrededor de 1819 para indicar una corrupción del arte romano. Sobre el supuesto de que existe un arte clásico, que se destroza o se respeta sucesivamente, se estableció una seriación de estilos: clásico, posclásico, románico, gótico, renacentista, manierista, barroco, rococó y neoclásico, a los que más tarde se añadirían los ismos de los siglos XIX y XX.

2. El estilo y su morfología: La idea de que en cada época una serie de rasgos comunes de tipo artístico pueden encontrarse en tan diversas manifestaciones -arquitectura, escultura, pintura- es la base de la famosa obra de WOLFFLIN, “Conceptos fundamentales de la historia del Arte”. Así puede hablarse con entera propiedad de arquitectura barroca, pintura barroca, música o literatura barrocas. Esta tesis, que otorga a cada estilo una morfología, una serie de rasgos formales comunes deja sin explicar el proceso de evolución y desintegración de los estilos. Algún tratadista lo ha basado en innovaciones técnicas: por ejemplo, la bóveda de crucería a finales del XII o el hierro en el XIX cambian el estilo en arquitectura; pero quizá es sólo una de las explicaciones posibles o aplicables 7 únicamente a momentos concretos, porque también los cambios de estilo pueden deberse a otras muchas razones: cambios sociales, ideológicos, religiosos, políticos y muchos más.

3. Análisis biológico del estilo: Con cierta frecuencia se ha analizado un estilo con criterios biológicos o psicológicos; la forma artística de una cultura nacería, encontraría su plenitud y finalmente degeneraría en un periodo de cansancio. Así nos encontraríamos con tres fases: arcaica, en que se inician las formas, clásica, o de madurez, y barroca, momento en que se intenta enmascarar el agotamiento formal con un aumento del aparato ornamental. Según esto cada periodo clásico tendría su barroco; es, con diversos matices, la postura de EUGENIO D´ORS.

Pero no resulta fácil generalizar esta secuencia. En primer lugar, en algunos momentos existe antes del Barroco una fase manierista, en la que se pierde el equilibrio espiritual del Clasicismo pero no se recurre todavía al adorno, como HAUSER ha estudiado para el periodo que sigue al Renacimiento a finales del XVI; y por otra parte no puede hablarse en el Barroco del siglo XVII, especialmente en pintura, con figuras estelares como VELÁZQUEZ, REMBRANDT y RUBENS, de un periodo de cansancio o de agotamiento creador.

Con las limitaciones que el encuadre del arte supone, y a pesar de las protestas de algunos creadores contemporáneos, que se sienten encasillados, el estilo permite el análisis de los elementos comunes, técnicos y de sensibilidad; ha influido en los artistas, a los que estimula la conciencia de estar integrados en un movimiento o escuela, y permite buscar en la historia del arte unas secuencias, un sentido. No exagera HAUSER cuando escribe: "sin él tendríamos, todo lo más, una historia de los artistas”; mejor diríamos unas biografías de los artistas, ya que el término historia implica una dirección y unas dimensiones colectivas.

Proceso de creación artística.

Desde que el ser humano se define como tal, existe el “Proceso de creación artística”, que podríamos definirlo de esta manera: consiste en el proceso expresivo de los seres humanos en representar cualquier idea que surge de cada individuo en algo material.

Muchos procesos creativos incorporan actualmente, en mayor o menor medida, las Tecnologías de la Información y las Comunicaciones (TIC); las pinturas digitales y las obras multimedia son claros ejemplos para entender los aportes que puede hacer la informática al campo de las artes visuales. Recursos para Artes Visuales como Photoshop y PhotoStudio se utilizan para crear y modificar producciones artísticas; Freehand e Ilustrator para dibujos y diseños de afiches y folletos; Autocad y CadStd para dibujo de planos; Canvas y Strata para el trabajo 3D; etcétera. Con toda esta oferta disponible, la integración de las TIC en la Educación Artística no solamente se puede constituir en otro medio de expresión artística -estimulando de paso la motivación de los estudiantes-, sino que permite prepararlos en un campo que ya hace parte importante del mundo en el cual van a vivir.
La expresión artística por medio de herramientas informáticas se conoce comúnmente como Artes Gráficas Digitales. Ha estado asociada principalmente a los medios de comunicación visuales y audiovisuales, a la industria y al comercio, al punto de haber creado un nuevo mercado laboral en este campo. El mundo contemporáneo demanda personas con criterio de selectividad, hábiles en la lectura y análisis de símbolos y que sepan trabajar cooperativamente. "La misión del diseñador gráfico es seleccionar, ordenar y concatenar un vocabulario de naturaleza plástica bidimensional (líneas, trazos, colores, imágenes, textos, etc.) con el fin de producir un total gráfico o visual que permita transmitir, lo más clara y directamente posible, un determinado mensaje entre un emisor y un receptor". Los lineamientos curriculares para Educación Artística en el estudio del diseño gráfico debe sensibilizar a los niños y jóvenes hacia su entorno visual y auditivo; ofrecerles canales de comunicación y herramientas para reinterpretar y transformar su mundo y propiciar condiciones en las que se agudice su sentido de observación, se promueva la búsqueda, la experimentación y la investigación de su entorno. Además, debe posibilitar la proyección de las fuerzas creativas de los estudiantes en sus propuestas artísticas.

En este sentido, el diseño gráfico permite el manejo de dos conceptos fundamentales: el arte y la comunicación.

Es importante poner en marcha proyectos que utilicen software para Artes Visuales al tiempo que desarrollan en los estudiantes la sensibilidad, la imaginación, la expresión, el equilibrio y la armonía de las formas con el fin de lograr producciones estéticas altamente comunicativas.

El Arte Digital consiste en dibujar en el ordenador, con una Tableta Gráfica normalmente (también llamada tableta digitalizadora), utilizando programas de dibujo específicos para dibujar en el ordenador, como Photoshop, Krita , Corel, etc.

Un software de dibujo puede hacer su trabajo mucho más fácil y más rápido que el dibujo tradicional con papel y lápiz. Por eso, hoy me he decidido a traeros estos programas para dibujar.

Software de dibujo como Artrage , PaintTool Sai y Photoshop te permiten hacer cosas como editar rápidamente y deshacer errores con el simple clic de un ratón.

Actividad.

Responde la siguiente pregunta:

¿Cómo compararías la ciencia y la educación cultural y artística, tomando en cuenta que ambas disciplinas emplean procesos y recursos en la obtención de una creación o un producto final?

La relación que hay entre ambas disciplinas es que, ahora gracias al avance de la ciencia no solo es posible plasmar el arte en hojas, cuadros, paredes, entre otros; sino que también por medios tecnológicos como lo hacen muchos diseñadores gráficos o también como se lo usa en el marketing para la publicidad. Además, podemos ver que así como la ciencia sigue un proceso para obtener una respuesta a algo, la creación artística, en ocasiones también sigue un proceso y responde a problemáticas y conceptos sociales.

Realiza una creación artística, a partir de un boceto utilizando Photoshop o Paint 3D.

Buscar este blog

Mis tareas